2011年6月16至26日，“布拉格演出与空间设计四年展”(Prague Quadrennial，简称PQ)在捷克布拉格举行，超过76个国家、5000多位专业剧场人士参与，参与的观众超过40000人。

　　作为全球最大和最负盛名的表演设计大会，布拉格四年展是唯一一个聚焦于戏剧和表演艺术的视觉呈现的国际展览，它主要展示当代舞台美术(Scenography)和剧场建筑(Theatre Architecture)设计的最新理念与思潮，自1967年诞生以来已成为世界知名的文化活动。PQ每4年在布拉格定期举行，2011年已是第12届。近年来，PQ更加开放，不仅为专业剧场人士而设，还重视透过展览和互动性节目让一般观众共同参与和体验。今年的PQ更是通过近400个活动，突破了五大场馆的界限，进入布拉格的公共空间。从布拉格四年展名称的变化就可以清晰地看到舞美设计发展的思潮以及PQ趣味和取向的演变。布拉格四年展全称从“布拉格国际舞美设计和剧场建筑四年展”到“布拉格演出与空间设计四年展”的变化，体现了近10年来舞美设计对表演活动深度参与的要求和趋势。

　　这次PQ主要分为竞赛展与非竞赛展演活动两大部分。竞赛展部分包括展示各国设计现况的“国家馆”(Countries and Regions Section)、“建筑设计展”(Architecture)、“国际学生设计展”(Student Section)、“极端服装展”(Extreme Costume)等。非竞赛展演活动包括跨领域实验性特展“交汇：亲密互动与视觉奇观”(Intersection: Intimacy and Spectacle)、“灯光与音效展”(The Light and Sound Project)等。“国家馆”由来自62个国家的独立艺术家或团体参加；而“交汇：亲密互动与视觉奇观”则在布拉格国家剧院和新舞台之间的公共空间举办，邀请了30位艺术家，在由30个立方体组成的建筑装置中创造各式的装置与演出，探索多样性的表演艺术。

　　“2011布拉格四年展将视角投向舞台空间之外。”布拉格四年展的艺术总监Sodja Lotker明确指出。媒体、网络技术的飞速发展彻底改变了人与人之间的交往和连接方式，随之而来的是包括艺术在内的各个领域的跨界融合，在此背景下，戏剧以及与之相关的表演艺术、舞台美术也无可幸免地遭遇前所未有的冲击与震荡，如何在新世界和新的艺术生态中找到自身的定位与方向，是所有当代戏剧艺术工作者，或者说所有艺术家都无法回避的任务。舞美设计从最初为表演提供背景与环境的被动服务角色越来越主动走向对表演的深度参与和积极推动，今年的PQ更加毫不掩饰舞美设计在个体创作中作用的提升和在其他领域的融合扩张。这不仅体现在今年展览的主旨阐述中，更贯彻在整个PQ展的策展理念与评选标准上。

　　“含义”是2011布拉格四年展的一个重要词汇。作为一个新的学科，本届PQ试图为舞美设计寻找新的含义，寻找它同视觉美术、建筑、理论、社会学等学科之间的相互关系。拓展舞美设计不仅意味着把舞美设计作为一个复合的积极的表演环境来探索，也包含着为它的探索创造新的内容和联系。今年最佳展览的金马车奖获得者巴西馆和最佳制作实践金奖的获得者巴西的Vertigen剧院非常好地诠释了今年PQ的主旨。

　　巴西馆在50多个“国家馆”参展作品中脱颖而出，夺得最佳展览馆金奖是因为巴西馆充分展现了当地表演艺术的特质，并把表演文化与国家文化特质融合，展览空间夺目的桃红色使观众迅即感受到热情洋溢的巴西文化，空间的低矮造就了一种亲密的气氛，展览主体以装置艺术形式展现，当中舞台美术、视觉艺术和普及文化的互动正是巴西人的写照，画像、艺术品、舞台设计模型、服装、道具等所有不同的元素共同呈现出巴西的戏剧文化和强烈的民族意识。

　　评审团认为，巴西馆极具风格，提供了生动的国家认同感和赋予巴西生命力和创造力的重要精神。从展览中可以看得出一股来自巴西文化渊源的洪流，正在继续开辟新的舞台美术视野。这个展览还让世界各地的观众了解到巴西在舞台美术和制作上的丰富和多样性。此外，他们还平等地对待街头艺术、环境剧场、社会关怀的演出、木偶剧以及更传统的戏剧形式。

　　同时，最佳制作实践金奖由巴西Vertigen剧院制作的演出《BR-3》获得，该演出被认为极具创意地运用一个非传统的表演空间――圣保罗市铁特河河岸，成功地将城市变成他们的舞台。河流本身和观众乘坐的驳船就是戏剧发生的场所，使观众完全沉浸其中，并自然地引发了社会对河岸相关问题的思考与讨论。

　　这个作品实际上是在探讨现代生存环境的噩梦，演出沿着圣保罗中央的铁特河的5公里河岸线展开。观众乘大巴从一个拉丁美洲纪念碑到铁特河的一个黑暗的河湾，然后从这里被邀请登上一艘流动的布道船，上面用霓虹灯装饰着“耶稣比雪还要洁白”。船上播放着一名已经去世的牧师的布道录音，观众被这个声音所超度，整个进程由一个虔诚的基督教徒带领。两岸不时传来枪响声和高速公路上的交通噪音。黑色的河流和岸上灯火闪烁的摩天大楼成了这场演出的背景。铁特河是巴西污染最严重的河流，气味难闻，这是悲哀的现实，是快速发展和无度的城市化进程的恶果，这艘教堂小船是我们的唯一救赎，除此之外人们毫无办法。

　　这个作品在巴西的三个地方演出，包括首都巴西利亚和一个圣保罗附近的贫瘠的农村地区，那里运输泛滥，观众能够看见河岸上一个妇女正在寻找她失踪的丈夫，而正是他们这些人用廉价的劳动力建设起了这些大城市。

　　这个演出创造性地调动了岸上、主船和周围快船上的表演者和多种元素，天才地整合了现实与虚幻，使观众不断处于对演出和现实的分辨与猜测当中。

　　PQ的另外两个重量级奖项最佳舞台设计金奖和最佳剧场技术运用金奖由克罗地亚馆包揽。

　　来自克罗地亚的名为Numen/For Use的设计团队最早是因为他们极少数的家具设计和实验性的舞美设计而闻名的，他们作为舞美设计被广泛认可是因为著名的戏剧导演Tomaz Pandur。他们最著名的一个舞台设计来自他们最初的一个古怪的作品 Numen/light，是由灯管和玻璃组成的玻璃立方体，这本来是为某个双年展设计的一件未完成的装置，之后彻底变成了Pandur执导的但丁《神曲》的舞台设计方案。在这之后，这个透明的玻璃光盒子干脆脱离表演的内容而独自存在，并且变得越来越多层。所以，到底该怎么定义它呢？

　　Numen/light是一个由灯管和反射玻璃组成的透明盒子，利用了类似侦查镜的原理，产生无止境的镜像反射，侦查镜就是指通常运用在警察局检验犯罪嫌疑人时的那种单面透视,又能产生镜像的玻璃。通过改进这个玻璃光立方体的结构，设计者使这种材料产生了一种特殊的审美形式，具有某种非凡的视觉意义。另一方面，极其简化的结构技术与迷你的无线空间维度的结合更使这个玻璃光立方体充满吸引力。设计者们遵循结构和几何线条的形式，不断探索和改造、创造出了不同的变形体：通过弹性的丙烯酸镜面设计出扭曲的玻璃光体，通过破碎的表面制出分裂的玻璃光体以及四面体、八面体等多面体。总之，Numen/light是一个视觉感官追求空间无限性和现代光影交互的万花筒。

　　在戏剧《沉默：把罗科》的舞美方案中，他们设计了两个可以在一定范围内任意变化角度的舞台斜面，可以从上下两个方向将表演空间变换成不同的四边形；在芭蕾舞剧《悔恨交响曲》中他们做了许多相同尺寸的条屏，通过机械控制系统可以让他们产生各种变换和组合。通过简洁、单一的元素与技术手段相结合而产生无穷的变化几乎是他们作品最为突出的特点。

　　从以上内容我们不难看出舞美设计从业者们在不断探索舞美设计的“含义”，在对于“什么是舞美设计”这一本源问题的思考中，设计者总是希望通过选择或改造作为表演空间的专业化剧场空间或日常的生活空间，诱导观者感受空间内的戏剧行为并思考空间内的戏剧思想。

　　为了挑战表演设计，2011布拉格四年展旨在探索不同的领域和类型表现出的普遍原则，从而绘制出当今舞美设计复杂的地图，并把它理解成一种更为宽泛的文化活动，具有重要而活跃的联系。今年竞赛单元之外的跨领域试验特展“交汇：亲密互动与视觉奇观”，就是这一主旨的最好体现。这个特展在公共空间，通过30位艺术家在30个彼此独立又相互连接的白色立方空间的作品，激发和带动观众参与到演出的“行动”中来。

　　例如盒子3主题是“内在世界”，这是一个令人不安的表演装置，人们躺在地板上，闭上眼睛，几乎不动。为了靠近表演者，看一眼“内在世界”，除了接近、碰触和侵犯我们面前躺着的这些身体之外别无选择。而在这个新的亲昵关系当中，观众被表演者的耳语弄得措手不及。这个作品探索的是作品与观众之间的边界与关系，它试图将观众容纳到表演的时空当中，使他们对艺术和社会规则之间产生的张力感同身受。

　　盒子5的主题是房客/无题。这是一个服装设计师的作品，她因为不满足仅仅设计服装，而是关心与服装有关的环境、灯光、音效、背景，于是所有的元素集合起来足够讲述一个完整的故事了。这个装置由许多个小格子组成，每个格子都是一个房间，里面有一个或几个房客，微型的服装木偶，配以各种声音和灯光的变化，透露着这个房客的点滴或故事。创意来自艺术家自身搬家的经历，人们每到一个新的地方，总要去适应一些神秘古怪的声音、过于大嗓门或者过于沉默的邻居以及各种和这个房子有关的古怪事情，当然也许是真实的，也许是假想的。整个装置没有开始和结尾，透过音效、灯光的变换，租客的生活渐渐展开，他们在其中消磨着时间，他们的兴趣、怪癖和所有的一切都在不知不觉中展现出来。

　　整体来说，“交汇：亲密互动与视觉奇观”的部分展览基本上融合了装置和表演，通过综合手段的运用试图将观众纳入作品本身，转化为作品参与者，最少也是体验者。这正是本届PQ追求的“舞美设计将在舞台空间之外”的体现。

　　作为非竞赛展览的一个重要组成部分，2011的PQ还组织了一个特殊场地演出《可怕的孩子们》。演出讲述了一对失去父母相依为命的姐弟在亲情和爱情之间挣扎的悲剧故事。这个演出曾经在一个精神病院的中央厨房里进行。这个始建于1909年的政府开办的精神病院，曾经是捷克最大的医疗护理机构，最多的时候曾经拥有36个建筑、1962个床位。

　　这是个长方形的两层空间，拱顶，拱顶上有圆形天窗；二层走廊环绕三面墙壁，墙上的窗子也是拱形大窗，走廊通向二层的房间。一层部分墙体还镶有厨房用的白色瓷砖。整体环境斑驳肃穆，观众居于一面墙，除了一层的空间，包括二楼走廊、房间、拱顶的天窗、建筑的大门以及其他所有空间都为演出所用。这个演出与这个场地的特殊气质产生了一种化学作用般的契合。故事中所包含的残忍、纯洁、爱与变态相交织的复杂意味，由这个充满历史、空旷颓废、又带着病态清冷气息的环境提供了充分的支持，同时这个环境本身也成为这个悲剧故事的一种真实的印证。虽然从特殊场地的演出理念上看，这个演出远不如巴西Vertigen剧院的《BR-3》具有突破性，但在真实场地与演出的互动融合上，的确堪称完美。

　　舞台作为大型演出场、露天体育馆、水舞台剧院、戏剧剧场和茶馆戏楼等场所的重要组成部分，是演员的表演天地。舞台一般分为镜框式舞台、伸展式舞台、圆环形舞台等类型，通常由一个或多个平台构成，有的可以升降、旋转，但要绝对安全可靠。通过认识和把握舞台空间，对如何深化舞台室内设计表现形式，笔者试采取以下几个方面的措施。

　　我国地域辽阔，民族众多，不同地区存在不同的地域性差异。“必须深化研究地域文化内涵，将理解后的地域文化特点融入室内设计中，是当前室内设计的核心以及根本任务”①。舞台室内设计结合地区的风土人情、民俗民风、审美习惯和接受能力，考虑设计内容、形式等方面要契合各个民族的文化心理。观察、发现和选择传统元素精华，将具象的形态变成抽象的设计符号，恰当地运用在舞台室内设计中。把传统图案、纹样、隐含一定的文化寓意的图腾，用现代审美手法进行创意、提炼、改造和创新。在理解舞台表演对象的前提下进行抽象、变化和组合。通过造型、手绘墙表现、配饰搭配、风格表现、灯光布局，从舞台风格、色彩、灯光运用、音响效果等方面全方位、多角度地进行创新，深入表达舞台的民族特色和文化内涵。

　　“现代室内空间里各种造型、装饰、陈设等无一不表现着人们对美好生活的追求和愿望”②。我们在舞台空间的主题墙、背景墙、吊顶、陈设品等设计中，适度取舍各类传统设计素材，通过龙、凤、原始图腾等装饰进行点缀。恰当地选择一些传统图案、纹样、编织、刺绣、雕刻等装饰艺术来丰富舞台。根据设计的具体内容，选择什么样的装饰造型来点缀，怎样运用点、线、面等构成要素去构成新的设计造型，运用艺术创造中形与神的辩证关系，强调或烘托出演出室内环境某种情调与意向。紧密结合当代人的文化价值取向和审美趣味进行设计，如在古代戏剧表演舞台有针对性地选择原始图腾、青铜器、鼎等具有吉祥寓意的传统元素点缀，舞台会增添一些古代民族文化气息和时代亲和力。“无疑，这些积淀了数千年的装饰图案皆以‘吉祥’为主题，通过美的、和谐的纹饰造型来表达人们对于和谐、幸福、安定的生活的向往”③。此外，在舞台上采用移动的道具，如把窗格门扇、雕花纹饰、绘画、书法、织绣、印染、屏风、雕刻、瓷器等物品布置在舞台空间的某些情景和局部中。各种装饰造型和布景的巧妙运用，为舞台室内设计注入新活力。

　　舞台室内设计离不开现代装饰材料的选择与搭配。设计时，在材料选择上还要以人性化、方便实用为目的，充分考虑人们的使用习惯。要加强对现代装饰材质的认识和把握，打破常规、单一的装饰材料使用习惯，选择具有浓厚的传统民族文化内涵和时代气息的材料进行装饰。在现代科技手段的作用下，使现代装饰材料在质地、光泽、质感、纹饰等方面更加丰富多彩。设计时深入了解材料的性能、品种、规格和用途，合理把握材料线条、色彩和质感等。如石材光泽、自然，有厚重感，适宜于表现庄严、厚重感；金属坚硬、刚劲，可以表现冷酷感；塑料紧密、光滑，可以表现优雅感；木材纹理自然、舒适、别致；玻璃透亮，表现富丽、明洁；纺织纤维品柔软性强，可以表现亲近、温暖等因素。通过现代手段加工为各种现代材料，装饰烤漆玻璃、墙纸墙布、有机板、隔音板、石材、金属等表面，材料的质地、美感从多方位体现出来，传统和现代有机结合，既实用又十分漂亮。设计时考虑舞台什么地方适合使用陶瓷地砖，哪些要软包，哪些材料隔音，哪些地方可以用富氧地板、实木地板、地毯用来点缀和防滑等，赋予材料更多表现形式和实用价值，在风格上更好地凸显主题。

　　灯光作为舞台室内设计表现形式之一，发挥着十分重要的辅助功效。舞台室内灯光装饰设计要适应舞台的表演氛围，创造与剧情相吻合的视觉效果。根据剧情的变化、矛盾冲突，设想演出所需环境，根据剧情设计灯光的效果，表现出不同情境。以高科技手段控制灯光，采用光色及灯光变化渲染氛围、突出人物，创造空间感、时间感。通过灯光，表现日出日落、月夜星空等变化。演出情节变化、台词、动作、时间、音乐或音响效果、风格流派等为依据确定灯光变化的方式，表现古典、浪漫、自然、现实、象征等效果。用灯光表现过去、现在、将来，表现感觉、回忆、憧憬、幻觉、梦境、印象、抽象与写实等情景。通过灯光强弱、方向、垂直角度、位置高度、逆光位置的设定等虚拟空间变化，把舞台的有限空间延伸为无限空间。

　　舞台室内设计用色彩的变化调节舞台气氛。色彩会在不知不觉间影响观众的心理，左右人们的情绪。根据剧情运用色彩的心理和感觉控制舞台，要充分了解色彩的心理和象征意义，比如红色表现力量、喜庆，使人兴奋，体现雄壮的精神；黄色亮度最高，给人温暖感，灿烂辉煌；绿色美丽、优雅，给人大度、宽容的感觉；蓝色永恒、博大，给人平静、理智的感觉；紫色给人神秘、压迫的感觉；黑色给人沉默、虚空的感觉；白色给人一种恐惧和悲哀的感受。如含灰色的绿会使人联想到淡雾中的森林；天蓝色会令人心境畅快，淡红色会给人一种向上的感觉等。了解色彩对比变化，如红色与绿色对比，红的更红，绿的更绿；黑色与白色对比，黑的更黑，白的更白。此外，用色彩的空间感表现舞台，在不同的背景色中，用暖色表现前进，用冷色表现后退，用暖色表现兴奋感，用冷色表现沉静感。掌握了色彩的这些知识，表现舞台不同的风格，以及一个场面、一种情景就更加得心应手。

　　舞台室内设计蕴涵一种价值观、文化属性、审美品位和时尚感。把握舞台空间的表现形式，认识设计要素并运用其中，既深化了舞台室内设计，又提升了人们的观赏品质，具有重要意义。

　　①薄晓光.地域文化设计特点在室内设计中的延续[J].西南农业大学学报（社会科学版），2009（6）.

　　②胡大勇.论室内设计对传统文化的继承与发扬[J].装饰，2006（5）.

　　胡妙胜先生，在《舞台设计美学阅读空间》绪论中指出舞台设计者“是在有限的物理空间筹划运作；总是在形状、色彩、光之间流连徘徊；总是期盼创造幻想的或非幻想的戏剧空间。舞台设计是空间的创造者，这也许是一切舞台设计者的共识”。从戏剧的定义和要素来看戏剧的形式是演员扮演角色与观众面对面交流；因此，戏剧的空间构成必须是动作空间（表演空间）与心理空间的结合体（即虚拟与现实的结合）；只有动作空间与心理空间巧妙结合才能使演员的表演来去自如，才能打动观众激起观众的心理感情，才能达到戏剧演出的目的。设计舞台就是要设计空间，这个空间决不仅仅是一个有形的、二维的或者三维的空间，而且要能够体现思想感情达到激发、渲染观众及演员心理情感气氛的空间。

　　英国导演彼得・布鲁克在他的《空的空间》中写道：“剧场无疑是个非常特殊的地方。它像放大镜，又像缩小镜头”。正如前文所说，舞台可以给我们无限的想象空间与创作空间。这与舞台空间的特性是密不可分的。

　　第一，假定性的舞台空间。舞台空间的假定性是由戏剧本身的特征决定的，同样戏剧艺术也是一门具有假定性的艺术。在舞台演出中，假定性的舞台空间主要是视觉的和想象的空间，作为舞台设计师在设计中必须设计一种符号、气氛或意境将观演人员带进这座空间，以达到超凡脱俗的艺术效果。在笔者毕业设计《胆剑篇》第一幕的设计中利用舞台空间的假定性特征，设计了一块插满箭的大盾牌立在舞台中间，加上灯光、烟雾等效果在舞台上营造了一个打仗的场景空间，观众可以通过表演和自己的想象感受到一个真实的打仗场景。可见通过舞台空间的假定性可以直接揭示和升华演出的主题。在今天的舞台艺术领域中，人们对这种假定的、视觉或想象的感受越来越敏捷，而LED大屏的出现给这种假定性创造了更明了、更清晰的创作思维；比如2009――2010年中央电视台春节联欢晚会中LED大屏的运用可谓经典，给观众一台“3D”晚会的视觉盛宴，这正是舞台空间假定性的魅力。正如“舞台美术先驱”，瑞士舞台美术设计家阿道夫.阿庇亚说：“我们迟早会有一间我们称之为‘大厅’或‘未来大教堂’的地方：在宽大而可以自由变化的空间中接受社会和艺术生活中的各种表现形式，它将成为一片美丽富饶的园地，盛开戏剧艺术之花”。

　　第二，相对静止性的舞台空间。从建筑角度讲，舞台空间是一个相对静止的空间，无论何种形式的演出都必须在固定的场所内进行。从古希腊的露天剧场到世界上第一座镜框式舞台――法尔尼斯剧场再到今天的多种舞台剧场结构看，舞台空间首先是一个具有长宽高比例的固定的空间场所，不管是虚幻的、写实的演出空间都必须在固定的演出剧场进行创作，否则，舞台空间创作将失去它的意义；正如沈尧定先生在《台美术设计实践与技巧》中写道“活生生的扮演者，必须在一个具有长度、宽度与高度的三维空间中展开。这个空间是有一定限度的，它以表演艺术的需要而决定容积的大小。这就是戏剧艺术的立体空间性，也是舞台美术设计创造独特的空间形式的基础”。在演出形式纷杂多变的今天，能够合理并且有创造性地在相对静止的演出场所中进行无限的空间创作已成为舞美设计师们共同的责任与追求。

　　本文对舞台设计的支点确定、动作轨迹、区域划分、时空处理等内容进行了分析研究，以提高舞台环境的整体性，解决观演双方存在的空间矛盾，促进舞台艺术表现魅力。结合设计构成中点、线、面及空间的理论，分别对舞台道具、布景、灯光等要素的功能与组织进行研究，从局部出发论述各要素对舞台整体的影响作用。根据研究结果可以得出，利用设计构成理论来指导舞台设计，能够大幅度提升舞台要素组织安排的科学性和合理性，有利于营造良好的舞台环境。

　　舞台设计通常叉被称作为布景设计或舞美设计，是通过对舞台、幕景、道具、机械设备、灯光等一系列事物根据艺术形式、情节的需要科学合理地组合而形成的舞台环境空间。舞台设计仍属于设计领域中的一部分，更深层次地进行剖析其也是环境设计的重要分支范畴。而论及到设计就不得不提设计中的几大要素，即点、线、面、空间等，任何设计的基础归结起来也就是这几大要素的排列与整合。提高要素组织安排的逻辑性与系统性，会在很大程度上增强设计的美学性、实用性及合理性等特征，从而提升设计内在与外在的品质和价值。

　　点在设计中是一切形态的构成基础，是创造基本形式的核心元素，是形状的在环境中的视觉单位。点在视觉印象上可被区别为单点、双点、多点群这三种主要形式，三种形式所呈现的视觉感受也各有不同。首先单点若置于环境或视域中，由于其强烈的集中性和突出性则容易吸引视觉的注意力。同样单点也可以通过其在环境中的位置，来影响整体画面及受众的感受。双点则会影响到人们观赏的视觉转换，当两点具有不同尺寸时，受众的注意力会先集中于较大的一点上，随后视线会逐渐转移到小点上，这样就会产生强烈的对比性。最后是多点群，通过对各点大小、位置进行组合，会营造出运动感、节奏感或是出现透视的空间感（如图1），观众便会随着点位置的变化来寻找视觉中心。同时多点集中于环境中某一位置则更会加深画面的集中性，有利于表现环境的主题。

　　舞台支点是控制或提醒表演者完成某动作、某故事情节的辅事物，规定者演绎者何时、何位置来进行怎样的表演，是舞台艺术中某一桥段的展开中心，同时舞台支点也是集中观众视觉焦点的重要元素，引导观演者视觉中心随着故事情节进行改变，能够有效地帮助观众对舞台、艺术内容进行把握。

　　支点的种类主要分为固定支点与活动支点，前者一般被固定在舞台上，而后者则常使用移动道具等。支点的形式却有很多，如桌椅、台阶、光束等多种多样，要根据艺术内容进行选择，但是支点的设计与位置安排应遵循设计构成的原则。例如利用单点的基本属性，当故事情节需要凸显出某一重点或者需要突出演绎者面部表情时，应将舞台中的支点控制为一个，并要将支点尽可能地与观众接近，这样既能保证让观演者完全投入到故事的某一桥段中充分理解故事所流露出的实质与情感，避免被其他事物所干扰，又能提升舞台环境的中心性便于情节与动作的开展。（图2）表示的就是舞台支点，故事情节主要发生在一张条形凳上，为了突出故事人物的情绪和面部表情，舞台上只留有板凳和桌子，幕景也是蓝灰色幕帘，更加衬托出入物着装特点，在这种舞台场景的设置中，观众的视觉焦点完全被单一支点所吸引，没有过多的装饰性道具和绚丽的背景凸显出故事人物的情感交流，使故事情节流露出简洁而又丰富的情绪内涵，让观众更加容易地理解故事情节和人物性情。

　　线是点运动轨迹的集合，在设计构成中是最具有表现力、形式最为丰富的要素。线具有长度、宽度、方向等特点，其中方向性是线的灵魂，也是线在设计中的价值。线可分为直线与曲线，方向上可分为垂直方向、水平方向及斜方向，不同形式、不同方向的线能够表达出不同的视觉特征与感情。直线具有刚锐、锋利、紧张、简明的特点，曲线则具有优雅、灵动、活跃、柔和等特点。同时各个方向的线会表现出上升、下降、聚集、发散等心理感受。线便依靠其这些属性特点为观赏者营造出不同的环境气氛和性格特征。

　　设计出与舞台艺术内容相辅相成的动作轨迹对于舞台整体设计有重要的影响。充分利用线的特性，发挥线的视觉特征能够有效地提升舞台动作轨迹设计的效果，良好地规范演员动作路线并对观演者的视线移动起到控制作用，引导观众进入舞台环境中领会艺术魅力，亦会为故事情节增添环境气氛，提升故事的交融性。譬如利用倾斜角较大的直线作为动作轨迹时可营造出高大、悲壮、肃穆等气氛的舞台环境，增强了路径的延续性和时间性，在心理上不断冲击着观众，使之对故事情节有更深层次的印象与了解（如图3）。

　　面是线运动轨迹的集合，可分为平面与曲面。面具有一定的幅度性，也正是因为面在各方向上存在这一特点才会产生长短、曲直的变化，最终造就了不同形态的面。同时面不仅具有位置、方向、长宽度等特征，其还有着自身独有的基本特征就是量感，通过面积大小的不同能够营造出或是压抑、舒畅，或是平缓、跳跃的气氛，起到增加环境变化的作用…。通过对面进行分割与规划能够实现区分主次、从属等一系列关系的目标，处理好环境中各个区域、单体元素之间的关系，提高环境的利用价值并在一定程度上能够突出重要内容与核心环节。

　　在舞台环境中区域主要是由机械装置、幕景、道具、灯光等事物根据艺术情节的需要而形成的表演者活动空间，也就是通过对舞台平面的分割与规划创造出多种不同的空间区域，并根据演员动作设计安排与观众的视线将这些区域分别定义，其中最为重要的便是舞台中心区域，叉被称作为表演黄金地带，通常是故事主要情节发生的所在地，也是主角进行表演的核心地带。当代舞台设计利用舞台机械、现代化灯光设备、全息投影技术等可将舞台分割成简明、复杂、个性强烈的区域，使舞台空间更显丰富。但无论采用何种技术手段来对舞台区域进行划分，始终要遵循面分隔的合理性原则，这样不仅能够提高舞台空间的利用率，还能创造出非凡的艺术气氛烘托故事情节与人物性格。根据故事内容的需要可将其中高潮部分或是带有某种深层寓意需要观众进行琢磨的部分表演区域放大，通过面积量的调整来提高此区域在舞台总体中的比重，弱化其他区域的面积来突出情节的重要性，使观众的目光集中在该区域上细心品味故事带来的心灵共鸣。灯光、立面的巧妙性运用也会营造出区域间强烈的对比，二者可为舞台区域的划分提供面形状的变化。例如灯光投射出的几何形光束既能突出视觉中心的位置，又能为舞台区域增添艺术效果。再如若采用高而细长的立面形状围成表演区域则会营造出上升、高耸、庄严的精神感受，使观演者有身临其境之感。

　　在舞台区域划分中，面的概念还体现在幕景设计、平台或台阶的罗列组合、道具形式、灯光虚实等方面上，通过对这些舞台元素的合理安排并按照设计构成的原则进行设计更是会创造出高低、纵横、疏密、曲直的形态空间，为故事情节的发展烘托出不同的环境气氛。四处理舞台环境中的时空关系

　　空间是人们可以感知到的形象化的一种事物存在的形式，是由实体媒介组合形成的。人们感知空间的存在是依靠实体媒介物所产生的关系来进行的，实体通过有序或无序的排列组合最终形成了空间，空间所呈现出来的是实体间相互影响、相互作用的关系，是人们感受实体相互运动的重要环境。空间的限定性、通透性及参与性是其三个基本特征，由此可以得知，应当分别从空间内部与外部进行观察，领略空间外部形态与内在实质。空间将人带入不同感官世界，只有在清楚了解并深刻认识实体间关系的基础上才能体会到空间提供的不同情绪感受。如空间中存在形态各异、大小不同的物体，外观的差异在很大程度上影响了它们之间形成的相互关系，或密集或松散，时而宽旷时而狭窄，并最终作用于整体空间场，从而为观众带来不同的视觉与心理感受，也正是这种丰富的变化造就了空间能够呈现出更加强烈的感官效果。

　　舞台艺术是空间与时间有机结合的艺术形式，舞台空间会随着故事情节、动作展开的需要产生变化，这样才能保证舞台艺术的连续性与流动性。空间的变化可通过活动的舞台、道具、幕景、灯光、动作、台词甚至是人来对故事环境进行改变，营造出故事某一情节中人物关系、社会关系、自然环境及社会环境的改变，也就是说处理故事内容与舞台环境的关系（如图4）。舞台空间的转变是表演场景的变换，对故事内容的延续、表演的速度与节奏起到控制作用。根据空间构成理论处理舞台时空关系首先应强调空间中实体元素的内容和意义能够被观众所理解与接受，这样才能让观演者体会到舞台空间转变，否则在短时间内观众无法理解转变的实质从而影响到观影效果。其次应重视空间中舞台元素之间的关系，通过大小、形态、位置等属性的变化突出空间转变的对比关系，使其更加明显地使观众意识到故事内容产生了改变。最后在时间变换上应着重突出服装、人物造型、布景特色等元素的时代性，符合人们对历史的印象与认识。总之想要良好地处理舞台时空关系就必须让舞台元素快速地被观演者所识别，这样才能促进故事情节顺利发展。

　　人物形象的塑造是舞台美术设计的一个重要组成部分，同时也是舞台美术设计的一个重要功能。其实，人物形象的塑造也是舞台美术设计最早开发和使用的一部分。从实践中来看，任何的舞台演出肯定都要涉及到人物的问题，既然有人物就会有人物的形象，就会有人物形象要表达或者呈现的内容，这些都是可以通过演员的化妆，亦即演员的美术设计来实现的。

　　舞台美术设计既要承担起表现剧情所处的物质与社会环境的责任，也要起到创造相应气氛和情调的作用。通过创造舞台情调与氛围，能够实现以艺术的形象和表现方式感染观众，形成共鸣。

　　舞台美术设计可以塑造人物的形象、可以创造和组织动作空间、可以表现环境、还可以制造情调气氛。但这些功能都是为一个核心服务的，那就是揭示剧情的思想。这一点从有舞台美术设计开始就没有变动过。

　　舞台形式的要素是在审美空间的组织中构成。大面积的区域分割及灵活多变的舞台框架结构，使舞台布景调度更为方便。空间的大小、形状、方向、闭合程度及空间结构，都是具有一种影响情感的表现特质，如压抑与空旷、拥挤与孤寂、神秘与亲切等。舞台布景设计不仅是空间艺术，也是时间艺术，舞台空间与时间的综合是现代舞台设计发展的总趋势。舞台设计者追求的是一种可变的、流动的空间，用约瑟夫斯沃博达的术语，即“心理造型空间”。舞台设计已不再用离散性的方法，为一场戏或一幕戏设计一个景。

　　舞台非写实的象征性空间表现，加强了戏剧动作，深化了戏剧内涵，使演出总体上完整统一。如在舞台演出时采用黑空间表现，可以容纳更多的联想和想象，调动和唤发观众更丰富的创造力。从而起到此处“无声胜有声”，此处“无形胜有形”的艺术效果。此外，在空间上大量的采用逆光效果，容易形成空间的距离感，从而使舞台有符合观众审美习惯的意境，给观众一种先发制人的强烈视觉冲击力。

　　服装向来就有“演员的第二皮肤”之称，所以说服装的色彩在舞台上是十分重要的。在舞美设计中，服装的色彩可渲染演出气氛、可表现剧本所表现的不同时空、区分剧情中不同的阵营、表现任务的爱好、格调、修养和心情等，通过舞美的服装的色彩协调，可很好地创造出舞台艺术的形式美感。

　　但在舞美设计中运用服装色彩时，应注重色彩处理的总体构思，剧本是悲壮、厚重，还是欢快、明丽，是华丽、堂皇，还是质朴、沉稳等；应注意舞台布景的色彩和服装色彩的协调性，同时注意与人物靠近的物体的颜色，如沙发与坐在沙发中的角色服装的颜色相同，这就会致使人物被道具吃掉；应注意舞台灯光对服装的影响；应注意远距离欣赏对服装色彩的影响；应注意服装质料对色彩的影响；应注意彩排合成时的色彩调整工作等。

　　舞台灯光有“舞台的太阳”之说，灯光色彩有着举足轻重的意义，它运用灯光设备与技术手段，配合戏剧情节的展开，赋予其他舞美(布景、道具、服装、化妆、音乐)以灵动的色彩，创造舞台时空，渲染气氛，表现情感、情绪和节奏，以揭示剧作的主题思想或内涵。

　　灯光色彩的不同可以表现不同的时代，如表现旧时代，则多用较暗的冷色，表现新社会新时代，则多用暖色。灯光色彩的不同还可以表现不同的时间，如绿色可表现春天，黄色可表现金秋，明亮与红色灯光可表现早晨或白天，灰暗灯光可表现夜晚等。这中灯光色彩在很早以前就引起了中外许多艺术家的高度重视，许多人都以善于运用灯光色彩而著称。

　　舞台工作者塑造的舞台空间造型，无论表现手段如何，总会通过视觉让人产生心理效应，它不仅与平面几何形状，空间造型形体及尺度大小，高低等有着直接关系，并且和灯光、金调、材料、服装、化妆、道具以及人物造型、音响效果等舞台多元素有着密切关系。

　　而材料是舞台美术的主要物质基础，两者如同水之源，炊之未。简单说，没有材料就没有舞美，没有舞美就没有戏剧。因此，舞台美术设计师要学习、了解、掌握有关的材料知识，特性及其在舞台灯光照射下容易让人们产生的视觉心理效应。如舞台材料中，石材质地坚硬，色泽稳重，给人以刚毅，坚实，安全稳定感觉，木材给人以亲和、柔软、可塑、温暖的感觉。金银、铜铁等金属材料不仅具有坚硬牢固、稳重的特性，而且光亮美观，富丽堂皇给人以时尚感、现代感，布料、毛麻、丝绢、皮革等村质给人以舒适，柔软、典雅、豪华之感，玻璃、塑料类村质光亮、通透、清净、绚丽、给人以五光十色、现代时尚之感。

　　现阶段，随着科学技术的不断发展，新型的材料和先进技术被应用到儿童戏剧舞台美术设计中，使得儿童戏剧舞台意境得到良好的创设。随着我国戏剧的逐渐发展，舞台美术设计日渐向着多元化的方向发展，在这样的形势下，融入先进的构成理念，使得儿童戏剧舞台美术设计得到良好的启发和指引，进而在创新方面和优化方面得到进步。本文围绕儿童戏剧舞台美术设计的构成元素展开分析，探讨儿童戏剧舞台形式的创新路径。

　　儿童戏剧舞台意境的营造离不开舞台美术设计的支持，随着科学技术的不断创新和发展，使得戏剧舞台美术设计得到了一定的创新和优化，在其构成元素中，空间构成、色彩构成、灯光构成以及材料构成等方面都得到了一定的创新，新型材料和新型技术的应用促使现实物象得到进一步重组和构建，使得超现实精神寓意得到良好的塑造。下面针对儿童戏剧舞台美术设计构成元素中的空间元素、色彩元素、灯光元素以及材料元素等进行分析，希望能够为戏剧舞台美术设计工作者提供参考和借鉴。

　　在儿童戏中，舞台具有一定的空间性，其美术设计从形象的角度来看就是空间艺术设计[1]。在空间艺术设计方面，可以分为戏剧演员进行表演的有象空间和文化内涵凸显的无象空间。在儿童戏剧舞台上，空间构成元素的应用目的是为剧情的推进营造相应的环境，促使戏剧内蕴含的思想文化和精神内涵得到凸显，进而促使戏剧演员能够利用剧情与观众进行沟通和互动，促使其在视觉感官方面和情感方面达到交流。在儿童戏剧舞台美术设计中，现阶段的空间构成元素延续了传统视觉感官营造中的点元素、线元素、面元素等，并在有限的舞台空间内有机整合了舞台的功能性和审美性，促使其以分割、排列的形式改变了舞台空间长、宽、高的形象比，使这三者比例在变化过程中产生特定的节奏和韵律[2]。为了给戏剧演员保留足够的活动空间，就应该在舞台空间设计过程中尽可能地坚持“以少代多、以简代繁”原则，采取富含个性特点、高度概括的形式营造儿童戏剧风格，并且尽量以还原真实生活的手法设计舞台空间，为实现不同剧情的无缝衔接提供重要前提。除此之外，戏剧舞台美术设计者应该注意舞台美术设计中空间构成元素应用的主要目的，即利用舞台艺术空间引导观众心理空间的形成。在明确空间构成元素应用目的的基础上，再通过改变有象空间各种元素的构成营造与剧情相符合的情景和意境，促使观众对剧情人物心理、剧情转变、文化内涵以及情感精神等产生一定的联想，进而使其通过各种联想营造想象空间，促使观众对所看事物产生视觉享受，使其以“角色代入”的形式站在剧情人物的角度看待故事情节，进而与戏剧思想情感产生共鸣。

　　儿童戏剧舞台美术设计离不开色彩构成元素的支持，通过不同色相、明度、纯度色彩的搭配为观众营造不同的视觉效果。在艺术设计中，不同的色彩在进行调和搭配时会产生不同的视觉风格，为观赏者提供不同的视觉感受。例如，利用暖色调能够营造出温馨、活泼、明快的风格，利用冷色调会营造出典雅、细腻的风格、利用硬度较强的色彩会产生高贵的风格，利用硬度较弱的色彩会营造甜美、轻松的基调。通过不同色彩的调和和过度能够形成一定的节奏感和韵律感，进而突出人物的心理变化，推进剧情的开展，促使整体舞台风格符合剧情的基调。众所周知，色彩的不同搭配能够产生不同的视觉冲击，进而使观赏者产生不同的心理感受。运用色彩的冷暖、进退、轻重、软硬等错觉会给观赏者传递一定的心理感受[3]。在戏剧舞台美术设计过程中，利用色彩心理传递将戏剧人物的内心、戏剧情节、戏剧主题等凸显出来，促使戏剧表演得到更好的舞台效果。应该注意的是，舞台美术设计者要保证色彩的搭配与戏剧的题材和风格相符合，利用色彩过渡凸显人物的心理和剧情的起伏，同时，还应该利用色彩的变化营造不同的感情氛围，为戏剧情节的开展奠定一定感情基调，为戏剧人物的情绪变化和情感波动渲染气氛，另外，还应该注意运用色彩丰富的服饰、妆容、布景、道具等，控制其运用比重来烘托剧情的文化内涵。

　　灯光运用是戏剧舞台美术设计中的重要部分，没有灯光就无法营造视觉效果，舞台上的一切活动都需要灯光的支持，在舞台上利用灯管的变化能够营造不同的奇幻效果，所以，舞台美术设计者应当善于利用灯光元素凸显舞台表演效果，促使有生命的演员与无生命的舞台达到高度统一，进而为戏剧表演赋予生命力和感染力[4]。灯光的运用是明暗的和谐统一，通过调节明暗渲染舞台氛围，凸显人物的内心和形象，实现不同戏剧情节的无缝衔接。舞台上的灯光运用可以主要分为四个部分，其一，人物照明，将灯光重点打在演员身上，凸显其表情和神态，塑造其人物形象。其二，立体照明，主要凸显舞台演出的立体感和空间感，运用虚实结合的手法营造人物的活动环境。其三，层次照明，戏剧剧情的推进需要具有一定的层次性，利用灯光的变化能够促使舞台上各元素的主次关系分明，进而营造出强烈的层次感。其四，装饰照明，这类照明主要是为了营造出一种富含艺术性的布景效果，运用灯光的强弱、色彩的晕染以及动静的结合营造特定的舞台效果[5]。在戏剧舞台美术设计过程中，设计者应当注意灯光运用的效果，保证其为剧情服务，凸显视觉与写实，强调舞台营造的艺术性和表现性。同时，还应该保证营造的视觉效果符合戏剧的主题，不能一味的追求新颖而显得舞台氛围较为突兀，应当充分利用先进的数字设备对布光实施统一管理和控制，在具体应用前，应该保证各设备能够正常使用，其功能能够正常发挥。

　　由于舞台上所有活动的开展离不开材料的支持，所以材料的选用是舞台美术设计工作者应该重点关注的内容。随着科学技术的创新发展，使得舞台材料得到了优化和创新，相配套的技术也得到了广泛的应用。舞台美术设计工作者应当结合戏剧的主题和具体情节选择相适应的材料，进而为观众营造出不同的美学享受和心理想象空间，促使戏剧的文化内涵和思想精神能够通过材料的运用得到由外至内的升华[6]。在材料选取过程中，舞台美术设计者应该对材料的质地、性能、外形以及延伸性质进行充分考虑，进而根据所想要创造的不同视觉心理选择相应的材料。应该注意的是，舞台美术设计者应当突破常规的研究材料造型限制，对材料的运用进行适度的创新，可以通过不同的加工手段在材料的色彩搭配、外形塑造方面进行拓展，借助不同材料的搭配和重组实现对材料运用的高效性和艺术性。同时，还应该将电脑超导技术、激发技术等与材料进行合理搭配，进而为舞台美术设计添加活力和生命力。

　　综上所述，舞台美术设计与戏剧主题密不可分，二者的配合都在一定程度上影响了戏剧表现的整体形式，赋予其独特的风格和意境。所以，戏剧舞台美术设计工作者应该对舞美设计给予高度重视，善于利用构成设计理念开展戏剧舞美设计工作，促使现代文化与传统文化进行良好的融合，在有限的舞台空间内创设无限的想象空间，促使戏剧整体更具有观赏性和艺术性，使更多的观众能够了解戏剧中蕴含的文化内涵、精神内涵。

　　[1]邵力.浅谈戏剧舞台美术设计的发展及主要特点[J].美术教育研究,2012,12:102.